Esta semana he estado un poco pesado con este tema, pero por fin he subido mi primer diseño de camiseta a www.threadless.com , donde, si votan mucho tu diseño, lo imprimen en una camiseta y lo ponen a la venta.
Os dejo el enlace aquí para que lo votéis y paséis la voz, a ver si con un poco de suerte me lo imprimen.
No sé si será el estrés repentino o la inercia, pero me vuelve a apetecer comentar la clase de hoy. Será que estoy aprendiendo…
Hoy, Las Lineas de Movimiento.
Las líneas de movimiento definen el movimiento principal que realiza el personaje y son muy necesarias para que la pose sea coherente.
La línea de movimiento suele pasar por la columna vertebral, aunque no es una regla obligatoria, lo importante es que vaya desde el extremo del cuerpo donde empieza el movimiento, hasta el final de éste.
A la hora de dibujar a dos personajes juntos, tenemos que tener en cuenta las dos lineas de movimiento, saber cuál es la principal y adaptar la secundaria. Un buen truco es exagerar las poses, sobre todo en las primeras prácticas, para que el dibujo transmita más movimiento. Además, de esta manera cogeremos soltura.
Aunque el que dijo esta gran frase debió especificar que ocupa tiempo, sino, mirad a qué hora llego tras el primer día de clase (22:05)
Pero el esfuerzo merece la pena.
Como decía hoy ha sido mi primer día de clase en la escuela Joso, en el curso de cómic. Tras la presentación y la explicación del temario, hemos dado lo principal en cuanto a dibujo se refiere: Las proporciones del cuerpo humano.
Es algo bastante simple y sencillo, y lo conocía prácticamente todo, pero eso no me ha librado de unas cuantas correcciones por parte del profesor.
Lo principal a tener en cuenta de las proporciones es:
1- El cuerpo humano de un adulto en pie mide entre 6 y 7,5 cabezas del mismo. En las mujeres se reduce la proporción.
2-El ombligo coincide con los codos y con la medida de la tercera cabeza
3- El ancho de la espalda coincide con el ancho de la cabeza en cada hombro. En la mujer se reduce a poco más de la mitad.
4- En un dibujo de perfil, se suele cometer el error de hacer la espalda totalmente recta y vertical, y NO es así. La espalda tiene una ligera forma de interrogación
TRUCO: si ves que algo falla, aléjate de la imagen y obsérvala desde lejos, verás los fallos, o también puedes darle la vuelta a la hoja o mirar la hoja a través de un espejo
Además de los apuntes hemos practicado bastante las poses y la verdad es que la clase se me ha pasado volando. Ya tengo ganas de volver el jueves a seguir dándole caña.
Por cierto mi profesor (uno de los dos que tendré) es Pere Pérez, aquí os enlazo su blog
Ya tardaba…
La gente que me conoce ya sabe mi pasión por este señor, y entenderán por qué he escrito el título en mayúsculas.
He de decir que lo estudié a fondo no hace mucho, con “I’s”, que es su penúltima obra, así que me tuve que empapar bien de todo lo anterior, aunque mi amigo Alberto ya me había hablado mucho de él.
Me tiraría horas hablando de él, y llenaría este post de imágenes, pero como el tamaño es limitado, os dejo con un enlace a la página oficial de su estudio, y os comento que prácticamente todo lo que he mejorado en dibujo desde aproximadamente el año 2000, ha sido gracias a Katsura, y que si uno de mis sueños cumplidos era ir a Japón, otro de ellos, que sin duda se cumplirá, será tener cara a cara a este Gran maestro para decirle todo lo que admiro su obra.
Barcelona, 1998, un día cualquiera, salvo por el hecho de que un jovenzuelo de 16 años con gafas descubría ante su pantalla de TV y su VHS, el primer thriller de terror psicológico en Anime. En aquél momento no me fijé demasiado en el nombre del autor, pero lo cierto es que gasté la cinta de tanto verla.
Podría explicar una gran historia retro sobre cómo descubrí a este gran genio de la animación con “Perfect Blue”, pero eso sería marear la perdiz y hay que ir al grano.
Satoshi Kon es considerado uno de los tres pilares de la animación japonesa por excelencia, junto a Hayao Miyazaki y Katsuhiro Otomo, con 4 películas y una serie en el mercado internacional, personalmente, le guardo una admiración especial, por cómo disfruto con sus películas, cómo mezcla realidad con ficción, lo real con lo mental, y gracias a su riqueza de diseño de personajes. Lo cierto es que, dejando de lado los personajes femeninos, los cuales sí que le salen siempre igual, los hombres son siempre muy diferentes, con rasgos realistas y muy característicos, y eso es algo que , desde un punto de vista técnico y artístico, admiro muchísimo.
No podría decidirme por una de sus películas como favorita, la verdad es que a “Perfect Blue” le guardo un cariño especial, por ser la primera, pero mi recomendación es “Paprika”,tanto la película, como la Banda Sonora, de la cual os dejo el video de los créditos de apertura.
Confieso que cuando Saliendodemi me descubrió a Takashi Murakami, mi primera reacción fue de rechazo, por los colores tan estridentes y planos. No comprendía porqué unas imágenes tan geométricas, vectoriales y planas podían considerarse arte y exponerse en el museo de arte contemporáneo de Los Angeles, pero después (y cuando digo después, me refiero al cabo de unos meses) volví a descubrirlo, esta vez con la mente más abierta y con algo más de interés, ya que leí que en realidad, esas imágenes geométricas son lienzos, y que no hay vectores, todo es a pincel y está hecho con tanto cuidado que por más que te acerques, es casi imposible distinguir la pincelada. Fue entonces cuando Murakami fue agregado a mi lista de artistas preferidos, aunque todavia no está dentro de una categoría concreta (ilustrador, pintor, escultor, animador, etc) ya que toca muchos campos, desde esculturas “hiper-barnizadas” de setas con ojos, hasta paneles triples de color rosa con un salpicón de leche, pasando por colaboraciones con LouisVuitton.
Esta tarde mi pasión por Murakami ha llegado a su cúspide y me he comprado el catálogo de su colección en California “©Murakami”, del cual son las fotos. Como se ve, es enorme y las imágenes se ven perfectamente, e incluso hay trípticos desplegables para las obras apaisadas en gran formato. Una gran compra, pese al elevado precio.
Hoy os pongo un screencast más sobre coloreado digital con photoshop. Esta vez le toca a Aya, la protagonista más jovencita de mi cómic.
Como ya os habréis fijado, una buena manera de no salirse de la linea es pintar toda la zona con un solo color plano y bloquear la transparencia de la capa con el botón arriba a la izquierda del panel capas capas, de este modo podemos dedicarnos a sombrear sin preocuparnos por si nos estamos saliendo de la ralla.
Quizás para un recién iniciado en el arte de los vectores es un poco pretensioso subir un tutorial sobre éstos, pero como en esta vida hay que tener ambiciones, aquí os dejo con esta bonita ilustración infantil y su proceso de creación. Espero que os sea útil.
Partiremos de un boceto en lápiz. No hace falta que sea muy grande, ya que solo lo usaremos para “calcarlo” con vectores
Paso 1. Escaneamos la imagen y aclaramos los negros.
Paso 2. La cargamos en illustrator y bloqueamos la capa.
Creamos una segunda capa encima a la que llamaremos “piel” y, usando la herramienta Pluma (P), perfilamos la cara y los pies, definimos el color de relleno como Ninguno y el color de trazo de un color vivo (más tarde lo cambiaremos).
Paso 3. Repetimos el proceso con todas las partes del dibujo, separándolas en capas, cada una con su nombre correspondiente (cabello, mangas, obi,etc). Nos llevará un ratito, pero merece la pena, ya que así estaremos más organizados.
Paso 4. Cuando tenemos todas las partes trazadas, es el momento de definir los colores de relleno y eliminar los colores de trazado, pero antes, desplazaremos la capa donde tenemos la imagen original encima de todas las capas y en la ventana Transparencia, cambiaremos el modo Normal por Multiplicar, así los blancos se volverán transparentes y podremos ver la composición debajo.
Paso 5. Una vez tenemos las formas principales, nos dedicamos a los pequeños detalles como los ojos, la boca, el cinturón, etc (yo suelo crear una capa llamada “facciones” para la boca, la nariz y los ojos).
Paso 6. La Ilustración está casi acabada, solo falta experimentar con los trazos, los rellenos y aplicar degradados para darle volumen.
Paso 7. Le podemos dar un toque al kimono añadiendo un relleno con un motivo floral desde la ventana Apariencia.
Paso 8. A partir de aqui, podemos considerar la composición terminada, y podemos experimentar con colores hasta que demos con el que nos gusta.
Paso 9. Lo último que nos queda es componer un fondo adecuado (yo reconozco que no me he matado mucho con el mío XD ) y ya tenemos la ilustración acabada.
Mi segundo screencast y primero de la serie de personajes de Onegai Señorita.
El truco de dibujar la fuente principal de luz es muy eficaz, ya que aunque no la mires constantemente, eres consciente de que está ahí y la tienes en cuenta para el sombreado.
Usar máscaras rápidas para el rallado de la camiseta también va muy bien, ya que tienes doble control sobre el color: 1, no te vas a desviar porque tienes hecha una selección; y 2, la selección está hecha con pincel, así que conserva la presión del lápiz y el trazo queda mucho más natural.
Paseando por mi ruta diaria de Blogs de diseño he descubierto Image Spark, que, con un diseño simple, limpio e intuitivo, al más puro estilo Apple, invita a fotógrafos, ilustradores y diseñadores a compartir su trabajo con el resto de miembros, y donde puedes encontrar todo tipo de referencias visuales de una forma más rápida que en flickr, ya que con solo hacer click en el nombre del artista en cuestión, accedes a su perfil, con sus últimas imágenes, y con otro click, a su librería completa.
La única pega que le veo es que en el perfil no existe la posibilidad de añadir ningún enlace a tu portafolio o ninguna dirección mail, así que si queremos que nuestra web se dé a conocer, no nos queda más remedio que incluirla en las imágenes que subimos, algo bastante sencillo si usamos códigos QR, pero ya me dedicaré a explicar qué son en otro post.